Русский духовный концерт

• Главная
• Избранное
• Популярное
• Новые добавления
• Случайная статья

Духовная музыка

Духо́вная му́зыка — музыкальные произведения, связанные с текстами религиозного характера, предназначенные для исполнения во время церковной службы или в быту. Под духовной музыкой в узком смысле подразумевают церковную музыку христиан; в широком смысле духовная музыка не исчерпывается сопровождением богослужения и не ограничивается христианством. Тексты сочинений духовной музыки могут быть, как каноническими (например, католическая месса), так и свободными, написанными на основе или под влиянием священных книг (для христиан — Библии).

В дальнейшем речь идёт о духовной музыке в широком смысле. О духовной музыке, понимаемой как синоним богослужебной (у христиан — церковной музыки).

Жанры христианской духовной музыки

Наиболее распространённые жанры христианской духовной музыки, католической и протестантской, заимствованы из музыки церковной; это хорал, псалом, гимн (в том числе Te Deum, Ave Maria), месса (в том числе заупокойная — Реквием), секвенция и страсти.

Каждый из перечисленных жанров имеет собственную историю, но общим для всех является то, что рождались они (или оформлялись) в церкви и право сочинять произведения духовного характера — не только тексты, но и музыкальное их оформление — изначально принадлежало исключительно служителям церкви (так, например, авторство большинства песнопений римской литургии средневековая традиция приписывала папе Григорию I).

Псалмы — музыкальные произведения малой формы, основанные на тексте Псалтири. Самый древний жанр, поскольку песнопения и молитвы на стихи Давида слагались в Иудее ещё в дохристианские времена. В XVI веке псалмы получили распространение в профессиональной внекультовой музыке, особенно «De profundis» (с лат. — »Из глубины») — на текст 129-го псалма, который как изначально у иудеев, так позже и у католиков нередко использовался в качестве погребальной молитвы; известны, в частности, «De profundis» Я. Д. Зеленки иК. В. Глюка, Бах, Гендель.

Мессы — циклические вокальные или вокально-инструментальные произведения, представляющие собой собрание частей католической литургии. В протестантской церкви были приняты короткие мессы, состоявшие лишь из двух первых частей католического ординария — Kyrie eleison и Gloria. Бах, Моцарт, Шуберт , Бетховен

Реквиемы — изначально католические заупокойные мессы. Первым сочинением этого жанра, написанным на канонический латинский текст, считается не дошедший до нас Реквием Дюфаи; первый сохранившийся, сочинение a capella в полифоническом стиле, принадлежит Йоханнесу Окегему (XV век).Моцарт, Верди.

Страсти — вокально-драматические произведения, посвящённые событиям Страстной недели, изначально основанные на евангельских текстах; однако с начала XVIII века для сочинений этого жанра всё чаще использовались тексты, написанные по мотивам Евангелий известными поэтами, в том числе оперными либреттистами. Бах, Сальери,

Stabat Mater( стабет матер)— католическое песнопение (секвенция) на латинский текст Якопоне да Тоди. Перголези, Россини

Ave Maria (аве мария) — католическая молитва, обращённая к Деве Марии. Самая знаменитая принадлежит Францу Шуберту (изначально написана на неканонический текст), Гуно

Спиричуэлс (от англ. spiritual — духовный) — духовные песни афроамериканцев, могут рассматриваться как ответвление христианской духовной музыки, поскольку источником для них послужили духовные гимны, завезённые в Америку европейцами, и тематику их традиционно составляют библейские сюжеты

Православная духовная музыка

Всенощная

Начиная с XVIII века русские композиторы создавали на тексты Всенощного бдения произведения концертного характера — «Всенощные», которые могли исполняться и вне богослужения; известны «Всенощные» А. Л. Веделя и С. А. Дегтярёва. Со второй половины ХIХ века «Всенощные» нередко принимали форму оригинальных хоровых сочинений или достаточно свободных обработок древних распевов; такие сочинения создали, в частности, А. А. Архангельский, А. Т. Гречанинов, П. Г. Чесноков. Лучшими образцами жанра считаются «Всенощные» П.И. Чайковского и Сергея Рахманинова.

Русский духовный концерт

Пришедший в Россию с Запада в конце XVII века духовный концерт, представлявший собою «состязание» двух и более противопоставленных друг другу хоров, поначалу развивался как жанр сугубо церковной музыки и соответствовал традициям православного богослужения: в отличие от западноевропейского, не предполагал инструментальное сопровождение и писался в форме утвердившегося к тому времени в церкви партесного многоголосия, в котором количество голосов обычно колебалось от 3 до 12 (в некоторых концертах оно достигало 48-ми). Но во второй половине XVIII века духовный концерт вышел за пределы церкви; классические сочинения в этом жанре созданы Максимом Березовским и Дмитрием Бортнянским.

Александр Архангельский

Родился Александр Архангельский 11 октября 1846 года в семье священника села Старое Тезиково Наровчатского уезда Пензенской губернии. Кроме младшего Александра в семье было еще двое детей. Крестьянский быт и внезапная потеря отца (Саше было 7 лет) с раннего детства приучили будущего регента и композитора к постоянной упорной работе. В детстве проявился и главный интерес Александра — к пению и музыке, а музыкальный слух сына воспитывала мать, Елизавета Федоровна (дочь священника села Старое Тезиково), сама любившая пение и музыку.

После окончания сельской церковно-приходской школы Саша поступает в ближайшее Краснослободское духовное училище, где его музыкальные способности и прекрасный голос (альт) были сразу замечены и одаренного мальчика включили в число певчих училища. Надо сказать, что хоры духовных училищ и семинарий России были лучшими среди хоров других учебных заведений. В 1859 году голос Саши Архангельского был замечен объезжавшим епархию пензенским епископом Варлаамом. И осенью 1859 года талантливого юношу перевели сразу во II класс Пензенского губернского духовного училища и зачислили его певцом-солистом в архиерейский хор. А после успешного окончания училища в 1862 году Архангельского перевели в Пензенскую духовную семинарию. И здесь 16-летнему семинаристу представилась возможность «стать» регентом хора (возникла неожиданная необходимость замены регента). Успех, уважение и авторитет заслужил юный регент в пензенских музыкальных кругах. Но это не вскружило ему голову, Архангельский хорошо понимал, что самообразование необходимо дополнить более глубокими знаниями. Александр все свое свободное время и скромные заработки тратит на уроки музыки: в течение 7 лет он обучается игре на скрипке у концертмейстера оперного театра Рубиновича. Берет уроки теории музыки и гармонии у известного пензенского музыканта Н.Потулова. Расширяет свой кругозор в области истории музыки. А пензенский дирижер-любитель и певец П.Федотов, оценивший дирижерские способности Архангельского, охотно руководит его занятиями, посвящая в «тайны» дирижерского искусства.

После окончания духовной семинарии Архангельский продолжает работать вторым, а затем и первым регентом архиерейского хора в Пензе. Но заветной его мечтой остается получение высшего образования. «Еще со времени обучения в семинарии я положил себе необходимым получить высшее образование, даже безотносительно какое», — писал в своих автобиографических записях Архангельский.

Летом 1870 года, на 24-м году жизни, молодой регент отправляется в Петербург и становится вольнослушателем хирургического отделения Военно-медицинской академии. Параллельно же накапливает и углубляет свои музыкально-профессиональные знания: берет частные уроки по фортепиано и сольному пению. Архангельский считал, что регент-дирижер должен сам петь профессионально, знать правила постановки голоса, дабы «не портить» голоса певчих. А вскоре Александр Архангельский понимает, что специальность хирурга, к которой он стремится, не соответствует его духовным интересам и физическим возможностям. И тогда 26-летний студент Технологического института подает прошение директору Певческой капеллы Н.И.Бахметеву о сдаче экстерном экзамена на звание регента. После получения аттестата повышенного разряда Архангельский получает должность регента Саперного батальона, потом — Конногвардейского полка и наконец — Придворно-конюшенной церкви. В связи со сложными материальными условиями регентство приходилось сочетать с государственной службой. Благодаря министру путей сообщения Ф.Неронову Архангельский получает место письмоводителя юридической части министерства. Ф.Неронов помогает «увлеченному регенту» получить и собственный хор в Почтамтской церкви. Каким же надо было обладать энтузиазмом, какой огромной силой воли, чтобы уже в 1880 году осуществить давнишнюю свою мечту — создать свой хор! Уже через три года после создания хор Архангельского начал интенсивную концертную деятельность в Петербурге и других городах России, одновременно участвуя в богослужениях церквей. Вплоть до 1918 года хор распределялся на группы по 14-20 человек и «закреплялся» за церквами: этими «малыми» хорами руководили регенты-помощники Архангельского. Свой первый концерт хор в составе 75 певцов дал в 1883 году в Петербурге. И сразу получил высокую оценку видных современных композиторов и музыкантов: А.Рубинштейна, П.Чайковского, Н.Направника.

Для своего хора Архангельский начал подбирать женские голоса, заменяя голоса мальчиков. Это невиданное доселе новшество первоначально встретило немало противников. Но такая коренная реорганизация хорового дела Архангельским вскоре была подхвачена сначала в Петербурге, а затем и в других городах России. В 1887 году — полная замена голосов мальчиков женским составом была завершена. В 1898 году хор впервые предпринял концертную поездку по России, посетив 27 городов! В 1901 году состоялась вторая поездка хора по России. А в 1907 году хор уже выступал в Дрездене, Париже и везде встречал восторженный прием.

На рубеже XIX-XX веков хор Архангельского утверждает свое положение как «звезда первой величины» наравне с другими «звездами» — Придворной певческой капеллой и московским Синодальным хором.

Своим хором Александр Архангельский руководил 43 года — явление уникальное во всей истории русского хорового искусства.

Одним из самых блестящих достижений хора Архангельского были знаменитые «исторические концерты» (их еще тогда называли «хоровыми собраниями»). Это были тематические выступления А.Архангельского со своим хором, на которых публику знакомили с музыкальными шедеврами русских духовных композиторов: М.Березовского, Веделя, Дехтерёва и других (впоследствии и западных композиторов). Таких концертов было девять, последний, девятый состоялся в 1890 году. Эти «исторические концерты» хора Архангельского всегда имели грандиозный успех у российской публики, которая вознаграждала хор лавровыми венками, а дирижера — серебряным лавровым венком.

В прессе отмечалось, что каждый «концерт давал слушателям убеждение в серьезном педагогическом значении этого дела» и что господин Архангельский не только серьезный музыкант, но и замечательный знаток того дела, которому он служит с любовью и редкой энергией».

В 1891 году Архангельский с хором предпринял первую поездку в Москву с целью показать там фрагменты «исторических концертов». Москвичи приняли концерты весьма одобрительно. «Архангельцев» оценили и С.Смоленский — директор Синодального училища, и В.Орлов — дирижер Синодального хора, и А.Сахаров — дирижер известного хора Чудова монастыря, и многие другие знатоки.

«Исторические концерты» — только одна из страниц жизни Архангельского (и его хора) — вызывает чувство глубокого уважения и признательности к творческой деятельности Александра Андреевича Архангельского.

С началом концертной деятельности хора связаны и успехи Архангельского как композитора. В жизнедеятельности Архангельского композиторское творчество занимало значительное место. Исследователи его жизненного пути отмечают, что Архангельский, наряду с такими авторами, как Бортнянский, А.Львов, Римский-Корсаков, сделал «крупный шаг вперед» по пути создания своей русской самобытной церковной музыки. Его духовные сочинения (а это и есть основное в его творчестве) отличались высоким профессиональным уровнем (около ста духовных произведений). Первые творения Архангельского вышли в 1887 году. Это были молитвенные песнопения: «К Богородице прилежно» и «Утоли болезни» (переложения напевов Александро-Невской Лавры), а также две «Милости мира». К текстам церковных песнопений композитор относился с величайшим уважением, не позволяя себе делать перестановки слов или их повторения. Почти в это же время появляется целый ряд других сочинений: «Литургия Иоанна Златоустаго», «Милость мира» (№ 3, 4, 5), «Всенощное бдение» (это было переложение обиходных напевов для восьми голосов), Службы Триоди, панихиды и др. К 1904 году Архангельский был уже автором многих духовных произведений (помимо названных): восьми Херувимских, восьми «Милость мира», 16 песнопений (вместо «причастных стихов»). Свои духовные сочинения композитор часто адресовал церковно-приходским школам, где возможности исполнения были более скромными. Особенно хочется выделить из творений Архангельского его «Заупокойную Литургию», которая являлась единственной Литургией заупокойного характера и была проникнута единством настроения. Н.Беренский писал: «В нашей церковной музыке еще не вполне выработался тип целой Литургии, как это мы видим на Западе, а потому произведение Архангельского представляет для нас двойную ценность».

Его знаменитый духовный концерт «Вскую мя отринул еси» написан на текст ирмоса пятой песни воскресного канона (8 гласа) и принадлежит к жанру русской церковной музыки конца XVII века (стиль партесного многоголосия).

Духовный концерт «Помышляю день страшный» был создан в 1898 году.

Музыкальный гармонический язык Архангельского естественен, как естественна и выразительна речь человека. Его сочинения отличаются необыкновенной мягкостью, ясностью, теплотой в музыке, молитвенностью. Наверное, поэтому говорили, что вся Россия любила молиться под звуки песнопений А.Архангельского. И до сегодняшнего дня произведения Архангельского поют едва ли не все православные церковные и светские хоры.

По наблюдению одного из современников Архангельского, «молящийся… очаровывается не только красотой голосоведения, но, что самое главное, загорается под влиянием музыки Архангельского еще более сильным религиозным чувством. Причина этого влияния в глубоком религиозном чувстве самого автора».

Необходимо хотя бы кратко сказать и об обширной общественной работе Архангельского. В 1902 году Архангельский основал Петербургское благотворительное певческое общество, задачей которого было оказание помощи (медицинской и денежной) певцам хоров (не только своего хора) во времени болезни, инвалидности и выплаты пенсий по старости. Эта работа по объединению певческих сил в России явилась потом толчком для созыва Первого всероссийского съезда регентов в 1908 году. А петербургский «почин» Архангельского уже был подхвачен в России: организуются церковно-певческие благотворительные общества в Москве, Харькове, Пензе, Чернигове, Ростове, Саратове.

Надвигающаяся на Россию политическая буря совсем не трогала Александра Архангельского. Он был далек от всего, что так или иначе не касалось музыки. Однако октябрьский переворот поставил перед Архангельским и его хором трудные жизненные задачи. Хор был переименован в Первый государственный хоровой коллектив.

Зимой 1921 года в Петрограде состоялось празднование 50-летия хоровой деятельности Архангельского. А в связи с переименованием Петербургской придворно-певческой капеллы в Государственную академическую капеллу было сочтено «несовместимым» существование в одном городе двух государственных хоров. И Архангельскому предложили организовать Государственную капеллу в Москве. Однако от этого предложения Архангельский отказался, ссылаясь на болезнь и преклонный возраст.

Еще некоторое время (и отказавшись от службы в Политпросвете) Архангельский дирижировал «чужими» хорами в Москве, Пензе и, наконец, в Праге. После перенесенной тяжелой болезни в 1923 году Архангельский переехал в Прагу. Он стал во главе большого студенческого хора, с которым давал концерты в Праге с неизменным успехом. Но вот почему в конце своей жизни знаменитый русский дирижер оказался в Праге? Думал ли Архангельский, что его духовный концерт «Помышляю день страшный» станет пророческим и ему на закате жизни, 77-летним старцем, придется в поисках хлеба насущного отправляться на чужбину?

Сохранилось потрясающее письмо Архангельского своему другу А.Касторскому в Пензу (от 1922 года). Вот фрагменты этого большого письма: «При тяжело сложившихся обстоятельствах я пишу Вам, мой дорогой Алексей Васильевич; помимо всех бед, обрушившихся на интеллигенцию, у меня и у нас в перспективе — голод. В свою усадьбу я ехать не могу, потому что там уже все расхищено «товарищами», и я не знаю, куда мне приклонить голову на предстоящее лето. И вот я решил поехать на свою родину… Могу ли я как-нибудь устроиться в Пензе или в какой-нибудь деревне?..

О своей жизни в Петрограде ничего особенного не могу сказать; хор мой (в уменьшенном составе) функционирует, но все окружающее до того тяготит… А что делать? Разруха полная и общая…»

И случилось так, что на обратном пути из Пензы Архангельский встретил композитора А.Т.Гречанинова, который и предложил ему поработать с хором в Праге. С этого времени начинается недолгий, около двух лет, зарубежный период жизни Александра Архангельского.

Но из-за усиливающейся болезни Архангельскому приходится лечь в клинику. По настоянию врачей лето 1924 года он провел в Италии. По возвращении в Прагу возобновил свои занятия с хором. Однако 16 ноября 1924 года, в день назначенной репетиции с хором, Архангельский скоропостижно скончался. На одной из пражских улиц висит скромная табличка: «В этом доме в 1923-1924 годах жил и умер Александр Андреевич Архангельский. 1846-1924».

«В октябре 1925 года прах Александра Андреевича, согласно высказанной им воле, был перевезен его женой в Петроград, и там после соборно совершенной заупокойной Литургии в Казанском соборе, при пении «бывшего» хора, А.А.Архангельского предали погребению на Тихвинском кладбище Александро-Невской Лавры»

Русская музыка 18 века

В XVIII веке большинство европейских государств охватило просветительское движение. Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь к достижениям европейской цивилизации. Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски – круто и решительно. Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры и формы.

Главное достижение русского Просвещения – расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать».

Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется.

В музыке XVIII века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль, близкий европейскому классицизму.

Новые формы великосветского быта – гуляния в парках, катания по Неве, иллюминации, балы и «маскерады», ассамблеи и дипломатические приемы – способствовали широкому развитию инструментальной музыки. По указу Петра в каждом полку появились военные духовые оркестры. Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором. Примеру двора следовала петербургская и московская знать, которая заводила у себя домашние оркестры. Крепостные оркестры и музыкальные театры создавались и в дворянских усадьбах. Распространяется любительское музицирование, обучение музыке становится обязательной частью дворянского воспитания. В конце столетия многообразная музыкальная жизнь характеризовала быт не только Москвы и Петербурга, но и других русских городов.

Среди музыкальных новшеств, неизвестных Европе, был роговой оркестр, созданный российским императорским камер-музыкантом И.А. Марешом по поручению С.К. Нарышкина. Мареш создал слаженный ансамбль, состоящий из 36 рогов (3 октавы). Участвовали в нем крепостные музыканты, которые играли роль живых «клавиш», поскольку каждый рог мог издавать только один звук. В репертуар входила классическая европейская музыка, в том числе сложные сочинения Гайдна и Моцарта.

В 30-х годах XVIII века в России была создана придворная итальянская опера, спектакли которой давались в праздничные дни для «избранной» публики. В это время Петербург привлекает многих крупнейших европейских музыкантов, преимущественно итальянцев, среди которых композиторы Ф. Арайя, Б. Галуппи, Дж. Паизиелло, Дж. Сарти, Д. Чимароза. Франческо Арайя в 1755 году написал музыку к первой опере с русским текстом. Это было либретто А.П. Сумарокова на сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Опера, созданная в итальянском жанре seria, называлась «Цефал и Прокрис».

В петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и кант.

Канты петровского времени нередко назывались «виватами», поскольку они изобилуют прославлениями военных побед и преобразований («Радуйся, Росско земле»). Для музыки «приветственных» кантов характерны фанфарные обороты, торжественные ритмы полонеза. Их исполнение часто сопровождалось звучанием труб и колокольным звоном.

На петровскую эпоху приходится кульминация в развитии хорового партесного пения. Блестящий мастер партесного концерта В.П. Титов занял место первого музыканта при дворе царя Петра. Именно ему было поручено написать торжественный концерт по случаю Полтавской победы, одержанной русскими войсками в 1709 году («Рцы нам ныне» – за сочинением утвердилось название «Полтавскому торжеству»).

В середине XVIII века стремление к хоровым эффектам в партесных концертах достигло гипертрофированных форм: появились сочинения, партитуры которых насчитывали до 48 голосов. Во второй половине столетия на смену торжественному пар­тесному концерту приходит новое художественное явление – ду­ховный концерт. Таким образом, в течение всего XVIII века русское хоровое пение прошло большой путь эволюции – от монументального партесного стиля, вызывающего ассоциации с архитектурным стилем барокко, к высоким образцам классицизма в творчестве М. С. Березовского и Д. С. Бортнянского, создавших классический тип русского духовного концерта.

Русский духовный хоровой концерт

В XVIII веке значительно расширилось жанровое содержание хоровых произведений. Возникли хоровые обработки народных песен, хоровая оперная музыка, танцевальная музыка с хором (самый знаменитый образец – полонез Козловского «Гром победы раздавайся» на слова Державина, который в конце XVIII приобрел значение государственного гимна Российской империи).

Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт, служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Своего наивысшего расцвета духовный концерт достиг в екатерининскую эпоху (1762- 1796). Это было благоприятное время для российской культуры. Попытка возродить дух петровских преобразований во многом увенчалась успехом. Политика, экономика, наука и культура вновь получили импульс к развитию. Возобновилась практика обучения наиболее талантливых представителей науки и искусства за границей. Тесные культурные контакты России с просвещенной Европой не могли не повлиять на появление первых опытов профессионального композиторского творчества.

В этот период было создано более 500 произведений концертного жанра. К нему обращались почти все известные нам русские композиторы второй половины XVIII столетия.

Рожденный в недрах партесного многоголосия, духовный концерт на протяжении своего развития интегрировал два начала – церковную певческую традицию и новое светское музыкальное мышление. Концерт получил распространение и как кульминационная часть церковной службы, и как украшение придворных церемониалов. Он был средоточием тем и образов, затрагивавших глубокие нравственные и философские проблемы.

Если «партесный концерт можно до известной степени сопоставить с concerto grosso, то структура классического хорового концерта имеет общие черты с сонатно-симфоническим циклом. Она обычно состояла из трех или четырех разнохарактерных частей с контрастными приёмами изложения. В заключительной части, как правило, преобладали приемы полифонического развития.

Большой вклад в становление русского классического хорового концерта внесли выдающиеся иностранные композиторы, жившие в Петербурге (Д.Сарти, Б. Галуппи). Вершинные достижения русской хоровой музыки эпохи Просвещения связаны с именами М.С. Березовского и Д.С. Бортнянского.

Максим Созонтович Березовский(1745-1777)

М. С. Березовский – выдающийся мастер русской хоровой музыки XVIII века, один из первых представителей национальной композиторской школы. Сохранившееся творчество композитора невелико по объему, однако весьма значительно по своей исторической и художественной сути. В музыкальной культуре 60-70-х годов XVIII столетия оно открывает новый этап – эпоху русского классицизма.

Имя Березовского называется в числе родоначальников классического хорового концерта a capрella: его произведения, наряду с творчеством итальянского композитора Галуппи, представляют первый этап в развитии этого жанра.

Вершиной творческих исканий М.С. Березовского стал концерт «Не отвержи мене во время старости». Это общепризнанный шедевр русской музыки XVIII века, стоящий в одном ряду с высочайшими достижениями современного ему европейского искусства. Небольшой по масштабам, концерт воспринимается как произведение эпически монументальное. Его музыка, раскрывающая многообразный духовный мир человека, поражает глубиной эмоций и жизненной достоверностью.

И в тексте, и в музыке концерта отчетливо звучит личная интонация. Это речь от первого лица. Просьба-мольба, взывающая ко Всевышнему (I часть), сменяется картиной преследований человека злобствующими недругами (II часть – «Пожените и имите его»). Затем следует новая тема – молитва надежды («Боже мой, не удалися» – III часть), и наконец, финал, полный протестующего пафоса, направленного против зла и несправедливости («Да постыдятся и исчезнут оклеветающии душу мою»). Уже тот факт, что всем темам концерта свойственны определенные, конкретные эмоциональные черты, говорит о принципиальной новизне стиля, преодолевающего абстрактную нейтральность тематизма партесного пения.

Четыре части произведения связаны не только единым драматургическим замыслом и тональной логикой, но и интонационными нитями: певучая тема, звучащая в первых тактах концерта, становится интонационной основой всех прочих образов. Особенно существенно то, что начальное интонационное зерно трансформируется в динамичную и напористую тему заключительной фуги «Да постыдятся и исчезнут…», которая является вершиной в развитии всего цикла.

Дмитрий Степанович Бортнянский (1751-1825)

Д. С. Бортнянский развил основной тип русского классического хорового концерта, соединив в музыке элементы светского музыкального инструментализма и вокальной церковной музыки. Как правило, его концерты имеют три части, чередующиеся по принципу быстро – медленно – быстро. Нередко первая часть, самая весомая в цикле, содержит признаки сонатности, выраженные в сопоставлении двух контрастных тем, изложенных в тонико-доминантовом соотношении. Возвращение в основную тональность происходит в конце части, но без тематических повторов.

Бортнянскому принадлежат 35 концертов для 4-голосного смешанного хора, 10 концертов для 2 хоров, ряд других церковных песнопений, а также светские хоры, в том числе патриотическая хоровая песня «Певец во стане русских воинов» на сл. В. А. Жуковского (1812).

Одно из глубоких и зрелых сочинений мастера – Концерт № 32, отмеченный П.И. Чайковским как «лучший из всех тридцати пяти». Его текст взят из 38-го псалма Библии, где есть такие строки: «Скажи мне, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой… Услышь, Господи, молитву мою, и внемли воплю моему; не будь безмолвен к слезам моим…». В концерте три части, но между ними нет контраста. Музыка отличается единством скорбно-элегического настроения и цельностью тематизма. Первая часть открывается темой, изложенной трехголосно и напоминающей псальму XVII века. Вторая часть – короткий эпизод строгого хорального склада. Развернутый финал, написанный в форме фуги, превышает по размерам первые две части. В музыке финала преобладает тихая нежная звучность, передающая предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни.

Сборники русских песен

Для всей передовой русской культуры XVIII века характерен глубокий интерес к образу жизни, нравам и обычаям народа. Начинается систематическое собирание и изучение фольклора. Известный литератор Михаил Дмитриевич Чулков составляет первый в России сборник текстов народных песен.

Впервые делаются нотные записи народных песен, появляются печатные сборники с их обработками: Василия Федоровича Трутовского («Собрание русских простых песен с нотами»), Николая Александровича Львова и Ивана Прача («Собрание народных русских песен с их голосами»).

В сборник Львова-Прача вошли 100 песен, многие из которых являются классическими образцами русского фольклора: «Ах вы, сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». В предисловии к сборнику («О русском народном пении») Н. Львов впервые в России указал на неповторимое своеобразие русской народной хоровой полифонии.

Песни из этих сборников использовались как любителями музы­ки, так и композиторами, которые заимствовали их для сво­их произведений – опер, инструментальных вариаций, сим­фонических увертюр.

К середине XVIII века относится уникальное собрание русских былин и исторических песен под названием «Сборник Кирши Данилова». О его составителе нет достоверных сведений. Предполагается, что Кирша Данилов (Кирилл Данилович) был певцом-импровизатором, скоморохом, жившим на горнозаводском Урале. Напевы песен он записал одной строчкой без текста, который помещен отдельно.

Русская национальная композиторская школа

С профессиональным освоением национального фольклора непосредственно связано становление во второй половине XVIII века первой в России светской композиторской школы. Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, где расцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе – основоположники русской оперы В.А. Пашкевич и Е.И. Фомин, мастер инструментальной музыки И.Е. Хандошкин, выдающиеся творцы классического духовного концерта М.С. Березовский и Д.С. Бортнянский, создатели камерной «российской песни» О.А. Козловский и Ф.М. Дубянский и другие.

Большинство русских композиторов были выходцами из народной среды. Они с детства впитали живое звучание русского фольклора. Естественным и закономерным, поэтому, стало включение народных песен в русскую оперную музыку (оперы В. А. Пашкевича и Е.И. Фомина), в инструментальные сочинения (творчество И.Е. Хандошкина).

По традиции предшествующих веков наиболее широко в век Просвещения развивались вокальные жанры, как светские, так и храмовые. Среди них выделяются духовный хоровой концерт, комическая опера и камерная песня. Как и в фольклористике, в этих жанрах сохраняется отношение к слову как к приоритетной основе музыки. Автором оперы считается либреттист, а автором песни – поэт; имя композитора нередко оставалось в тени, а со временем забывалось.

Русская комическая опера

Рождение национальной композиторской школы XVIII столетия было тесно связано с развитием русской оперы. Оно началось с музыкальной комедии, которая опиралась на комедийные произведения русских писателей и поэтов: Я. Княжнина, И. Крылова, М. Попова, А. Аблесимова, М. Матинского.

Комическая опера была бытовой по своему содержанию, с незамысловатой, но увлекательной фабулой из повседневной российской жизни. Ее героями были сметливые мужички, крепостные крестьяне, скупые и жадные богатеи, наивные и прекрасные девушки, злые и добрые дворяне.

Драматургия строилась на чередовании разговорных диалогов с музыкальными номерами, основанными на русских народных песнях. Поэты указывали в либретто, на какой «голос» (популярную песню) следовало петь ту или иную арию. Примером может служить самая любимая русская опера XVIII века «Мельник – колдун, обманщик и сват» (1779) А. Аблесимова с музыкой М. Соколовского. Драматург А. О. Аблесимов сразу писал свои тексты в расчете на определенный песенный материал. Вклад М. Соколовского заключался в обработке песен, что вполне мог осуществить и другой музыкант (не случайно авторство музыки долгое время приписывалось Е. Фомину).

Расцвету комической оперы способствовал талант выдающихся русских актеров – Е.С. Яковлевой (в замужестве Сандуновой, на сцене же – Урановой), крепостной актрисы П.И. Ковалевой-Жемчуговой, И.А. Дмитревского.

Выдающуюся роль в развитии русской оперы XVIII века сыграл Василий Алексеевич Пашкевич (ок. 1742-1797) – один из крупнейших русских композиторов XVIII века. Лучшие из его опер («Несчастье от кареты», «Скупой», «Санкт-петербургский гостиный двор») пользовались большой популярностью, они шли на сценах многих городов России до середины XIX века. Пашкевич был мастером ансамблевого письма, острых и метких комедийных характеристик. Удачно воспроизводя в вокальных партиях речевые интонации, он предвосхитил принципы, характерные впоследствии для творческого метода Даргомыжского и Мусоргского.

Разносторонне одарённым художником проявил себя в оперном творчестве Евстигний Ипатьевич Фомин (1761-1800). Его опера «Ямщики на подставе». (1787) выделяется мастерством хоровой обработки народных напевов самых разных жанров. Для каждой песни он нашел свой стиль обработки. В опере звучат протяжные песни «Не у батюшки соловей поет» и «Высоко сокол летает», бойкие плясовые «Во поле береза бушевала», «Молодка, молодка молодая», «Из-под дуба, из-под вяза». Несколько песен, отобранных для «Ямщиков», спустя три года почти без изменений вошли в «Собрание народных русских песен» Н.Л. Львова – И. Прача.

В другом своем сочинении – мелодраме «Орфей» (на текст Я. Княжнина по античному мифу, 1792) – Фомин впервые в русской опере воплотил трагическую тему. Музыка мелодрамы стала одним из вершинных творений русского искусства эпохи Просвещения.

В увертюре, предшествующей мелодраме, во всей полноте раскрылось дарование Фомина-симфониста. В ней композитор с удивительным чувством стиля сумел передать трагический пафос древнего мифа. По сути, Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Так в недрах театра, как это было и в Западной Европе, рождалась будущая русская симфония.

Оперы Фомина были по достоинству оценены лишь в середине XX века. При жизни композитора их сценическая судьба не была счастливой. Опера «Ямщики на подставе», написанная для домашнего театра, осталась неизвестной широкой публике. Постановка комической оперы «Американцы» (на либретто молодого И.А. Крылова) была запрещена (директору императорских театров не понравилось, что в ходе развития сюжета индейцы собираются сжечь двух европейцев).

Бытовая вокальная лирика

Огромное реформаторское значение в народном творчестве имело рождение нового пласта фольклора – городской песни. Она возникла на основе народной крестьянской песни, которая «приспосабливалась» к городскому быту – новой манере исполнения: ее мелодия сопро­вождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо ин­струмента.

В середине XVIII века в России возникает новый вид вокальной музыки – «российская песня». Так называли произведения для голоса с инструментальным сопровождением, написанные на русские поэтические тексты. Лирические по содержанию, «российские песни» были предшественниками русского романса.

Родоначальником «российской песни» стал видный сановник при дворе Екатерины II, образованный любитель музыки Григорий Николаевич Теплов, автор первого русского печатного песенника «Между делом безделье…» (1759). По стилю и манере изложения песни Теплова представляют собой переходный жанр от канта к романсу с сопровождением. Форма его песен, как правило, куплетная.

Жанр «российской песни» был теснейшим образом связан с фольклорной традицией. Не удивительно, поэтому, что многие авторские песни стали народными («Вот мчится тройка почтовая» Ивана Рупина на сл. Ф. Н. Глинки).

В конце XVIII века выдвигаются талантливые мастера камерного вокального жанра – Федор Дубянский и Осип Козловский. Созданные ими «российские песни», имеющие уже достаточно раз­витую фортепианную партию, более сложную форму, можно считать первыми русскими романсами. В них явно слышны отзвуки городского быта («Стонет сизый голубочек» Дубянского, «Милая вечор сидела», «Прежестокая судьбина» Козловского).

В «российских песнях» широко использовались стихотворения известных поэтов: Сумарокова, Державина, Дмитриева, Нелединского-Мелецкого. Своим образным содержанием они связаны с типичными настроениями искусства сентиментализма. Как правило, это любовная лирика: муки и услады любви, разлука, измены и ревность, «прежестокая страсть».

Большой популярностью пользовались также анонимные «российские песни», изданные Ф. Мейером («Собрание наилучших российских песен», 1781).

Камерно-инструментальная музыка

В 70–80-е годы XVIII века в России началось формирование профессионального камерного инструментализма. В это время русские музыканты осваивают сложные формы инструментальной музыки, разрабатывают жанры сольной сонаты, вариаций, камерного ансамбля. Этот процесс был тесно связан с повсеместным распространением домашнего музицирования. Музыка городского или усадебного быта в течение долгого времени оставалась той «питательной средой», в которой вызревали ранние ростки национального инструментального стиля.

Первые русские инструментальные ансамбли принадлежат Дмитрию Бортнянскому. Это фортепианный квинтет и «Камерная симфония», фактически представляющая собою септет для фортепиано, арфы, двух скрипок, виолы да гамба, фагота и виолончели.

Особенно любимыми были всевозможные танцевальные пьесы – ме­нуэты, полонезы, экоссезы, контрдансы – и вариа­ции на темы народных песен для различных инструментов. Множество таких вариаций для скрипки создал Иван Евстафьевич Хандошкин (1747-1804), представитель санкт-петербургской школы – композитор, выдающийся скрипач-виртуоз, дирижер и педагог. Хандошкин славился искусством импровизации, хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке.

В истории русской музыки имя Хандошкина связано с созданием национальной скрипичной школы. Большую часть его творческого наследия составляют вариации на темы русских народных песен и сонаты для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом. С этими сочинениями русская камерно-инструментальная музыка впервые вышла из тесного круга домашнего музицирования, приобретя виртуозный размах. Важно и то, что в них достигнуто достаточно органичное единство европейского инструментального языка и русского фольклора. Исследователи считают, что мелодии некоторых песен, взятых композитором в качестве тем для вариаций, были впервые записаны им самим.

Вариации на русские темы для фортепиано писали Трутовский (например, на тему народной песни «Во лесочке комарочков много уродилось), Караулов, а также работавшие в России иностранные музыканты.

Он был создан на основе хора государевых певчих дьяков.

Особенно выделялись театры П. М. Волконского и Н. П. Шереметева (под Москвой).

Роговая музыка, исполнявшаяся на открытом пространстве, существовала до начала XIX века.

Роль иностранных музыкантов в развитии русской музыки была двойственной. Справедливые упрёки передовой общественности вызывало слепое преклонение аристократических кругов перед всем иностранным, связанное с недооценкой русского искусства. Вместе с тем деятельность иностранных композиторов, исполнителей и педагогов способствовала общему подъёму музыкальной культуры и воспитанию отечественных кадров музыкантов-профессионалов.

«Виват» (лат.) – «да здравствует».

Судьба его творческого наследия драматична: большинство сочинений композитора, звучавших на протяжении всего XIX столетия, оставалось в рукописях и хранилось в Придворной певческой капелле. В первых десятилетиях XX века весь богатейший архив капеллы с уникальными автографами многих русских композиторов был сожжен.

Успех и признание, покровительство высочайших особ пришли к Березовскому рано. Уже в молодом возрасте прославившись в России, он вскоре стал первым русским композитором, принятым в члены знаменитой Болонской академии. Однако, несмотря на все высокие отличия, вернувшись после 9-летнего пребывания за границей на родину, Максим Березовский не смог добиться сколько-нибудь заметного положения. Его зачисление в Придворную капеллу на скромную должность рядового служащего явно не соответствовало ни полученному зарубежному опыту, ни творческим возможностям. Очевидно, это вызывало у композитора чувство горького разочарования, хотя его хоровые духовные сочинения разучивались всеми любителями церковного пения и высоко оценивались современниками.

Чайковский отредактировал все хоровые сочинения Бортнянского, вошедшие в издание Юргенсона (1885).

видный деятель русской культуры, ученый, худож­ник, поэт, любитель музыки, собиратель текстов народных песен.

чешский композитор, работавший в России. Подлинное имя Ян Богумир.

Один из напевов использован Н. А. Римским-Корсаковым в опере «Садко» (дружинная песня 4-й картины).

Лишь Е.И. Фомин окончил Академию художеств как композитор. Все остальные музыканты выдвинулись из среды придворных певчих и оркестрантов, поскольку специальных музыкальных учебных заведений в то время не было. Музыкальные кадры формировались, в основном, в Придворной певческой капелле, в военных и крепостных оркестрах, частных театрах, либо получали домашнее образование. В культурной среде XVIII века музыка занимала самое низкое положение, она целиком зависела от меценатства, а сам музыкант в аристократическом обществе занимал положение полуприслуги. Творения русских авторов нередко считались музыкой «второго сорта» по сравнению с произведениями немцев или итальянцев. Ни один отечественный мастер не достиг высокой должности при дворе.

Умный и хитрый мельник Фаддей, притворившись всесильным колдуном, совершенно заморочил голову простодушным своим соседям. Впрочем, все заканчивается веселой свадьбой девушки Анюты и красивого деревенского парня Филимона.

На почтовой станции – подставе – собираются ямщики. Среди них молодой ямщик Тимофей, который удался и лицом, и умом, и сноровкой. С ним молодая красавица-жена Фадеевна, любящая мужа. Но у Тимофея есть завистник и злейший враг – вор и пройдоха Филька Пролаза. Этот Филька мечтает сбыть счастливчика Тимофея в рекруты и завладеть его женой, давно ему приглянувшейся. И быть бы Тимофею солдатом, если бы не проезжий офицер. Он помогает освободить Тимофея как единственного кормильца крестьянской семьи от службы. В солдаты же попадает сам Филька.

Мелодрама – театральная пьеса с музыкой, которая чередуется с декламацией, а иногда исполняется одновременно с произнесением текста.

Афиша церковного хора Москвы на 2020

• Все
• Drum
• Open Air
• Stand-up
• Авангард
• Автобусные экскурсии
• Авторские экскурсии
• Автошоу
• Акустика
• Альтернативная музыка
• Андеграунд
• Балет
• Барокко
• Бизнес-семинары
• Бит
• Блюз
• Бокс
• Буги
• Вестерн
• Военные фестивали
• Вокал
• Выставки
• Выставки животных
• Гитара
• Городские экскурсии
• Готика
• Грайнд
• Гэридж
• Даунтемпо
• Детская Музыка
• Детские выставки
• Детские семинары
• Детские экскурсии
• Детский мюзикл
• Детский театр
• Детям
• Джаз
• Диско
• Для самых маленьких
• Драма
• Дум
• Духовная музыка
• Духовые инструменты
• Дэнс
• Елки в новогодние праздники
• Елки утром
• Зарубежные композиторы
• Игры и квесты
• Инди
• Индивидуальные экскурсии
• Индустриальная музыка
• Инструментальная музыка
• Интерактивные выставки
• Исторические выставки
• Исторические семинары
• Исторические экскурсии
• Исторический спектакль
• Кабаре
• Кавер
• Кантри
• Каток
• Кельтская музыка
• Кикбоксинг
• Клавишные инструменты
• Классика
• Классика для детей
• Классицизм
• Классическая музыка
• Классическая музыка ХХ века
• Комедия
• Космическая музыка
• Кремлевский балет
• Кроссовер
• Кулинарные мастер-классы
• Культурные фестивали
• Лекция
• Летние фестивали
• Литературные экскурсии
• Международный женский день
• Метал
• Минимализм
• Модерн
• Молодежные фестивали
• Музеи
• Музейные квесты
• Музыкальная елка
• Музыкальное шоу
• Музыкальные фестивали
• Музыкальный спектакль
• Мультимедийные выставки
• Мультфильм
• Мюзиклы
• На открытом воздухе
• Научные семинары
• Новая волна
• Новогодние елки
• Новогодние праздники
• Нойз
• Обзорные экскурсии
• Образовательные семинары
• Обучающие мастер-классы
• Опера
• Оперетта
• Оркестр
• Осенние фестивали
• Панк
• Пасха
• Пауэрвайоленс
• Пешеходные экскурсии
• Познавательные экскурсии
• Поп
• Поп-музыка
• Поэзия
• Прогрессивная музыка
• Психоделия
• Развлекательные мастер-классы
• Регги
• Рекомендуем сходить
• Ретро
• Рождественский концерт
• Рок
• Рок-н-ролл
• Романс
• Романтизм
• Русские композиторы
• Русский рок
• Русский рэп
• Рэп
• Саундтрек
• Свободная импровизация
• Семейные фестивали
• Симфоническая музыка
• Синтезатор
• Ска
• Сладж-метал
• Слушаем русский рэп
• Смычковые
• Смычковые инструменты
• Современное искусство
• Современный театр
• Соул
• Спектакль по произведению
• Спортивные площадки
• Танцевальный спектакль
• Творческий вечер
• Театральные фестивали
• Театры
• Техно
• Трагедия
• Транс (музыкальный жанр)
• Триллер
• Трэш
• Фанк
• Фантастика
• Фестивали
• Фестивали феерверков
• Фолк
• Фортепиано
• Фотовыставки в музеях
• Фьюжн
• ХК Спартак
• Хард
• Хардкор
• Хаус
• Хип-хоп
• Хоккей
• Христианская музыка
• Художественные выставки
• Художественные мастер-классы
• Цирки
• Чил
• Шансон
• Эйсид-хаус
• Экскурсии
• Экскурсии в музеи
• Экскурсии для большой группы
• Экскурсии для москвичей
• Экскурсии для небольшой группы
• Экскурсии для пенсионеров
• Экскурсии для туристов
• Экспериментальная музыка
• Электро
• Электроника
• Эмбиент
• Эмо
• Эстрада
• Этнические инструменты
• Этно
• донкихот
• от 3 до 6 лет

8 класс
Тема: Мир духовной музыки
Духовность:

• Наше личное понимание самих себя,

• Познание мира – внешнего (того, что окружает нас) и внутреннего (нашего собственного «Я»).
• Высокая нравственность

Духовная музыка — музыка религиозного содержания, исполняемая в храме, церкви или в быту.
То есть понятие «духовность» в широком смысле не всегда то же самое, что понятие «духовная музыка». Оно шире, т.к. наша духовность – это не только вера в Бога. Духовно развитый человек не обязательно религиозен.
Но сегодня речь идёт о духовной музыке, а под ней подразумевается музыка, обращённая к Богу.

Духовную музыку называют также культовой, т.к. она посвящена религиозному культу.

Духовная музыка зародилась очень давно. Она существует во всех культурах, у всех народов.

Ещё первобытные люди поклонялись различным сверхъестественным существам, и это поклонение обычно сопровождалось какими-то музыкальными действиями: ритуальными плясками, пением заклинаний, мантр, молитв, песен – у каждого народа в разные исторические периоды эти песнопения назывались по-разному. На стенах пещер каменного века сохранились рисунки музыкальных инструментов и богов – и это свидетельствует о том, что поклонение богам всегда носило музыкальный характер.

Как компонент культового ритуала культовая музыка входила в храмовое искусство первых цивилизаций (Месопотамия, Египет и др.). Раннехристианская духовная музыка была одноголосной, без сопровождения инструментов. В Западной Европе со временем господствующим стало григорианское пение, на Руси — знаменный роспев.

Многоголосие, хоровая музыка складывалась в Средние века.

С развитием европейской цивилизации под духовной музыкой подразумевается именно христианская музыка.
Виды духовной музыки:

• Католическая музыка
• Православная музыка
• Протестанская музыка
• Афро-американская духовная музыка

— Спиричуэлс

— Госпел

Этапы развития духовной музыки:

• одноголосие
• многоголосие (хор)
• хор в сопровождении инструментов (орган, симфонические инструменты) – на Западе

• вокально-хоровая музыка a cappella – в России

(a cappella – пение без инструментального сопровождения)

Для духовной музыки очень важен текст, осмысленное произнесение слова, ведь в ней человек обращается к Богу, поэтому духовная музыка по своему характеру — серьёзная, возвышенная, философская музыка.

В качестве примеров послушаем три произведения:

«Иисус Христос — суперзвезда» (англ. Jesus Christ Superstar) — один из наиболее известных мюзиклов (иногда называемый «рок-оперой»), а также одноимённый фильм.

Автор музыки — Эндрю Ллойд Уэббер, автор либретто — Тим Райс. Мюзикл вышел в 1970.

Сюжет основывается на евангельских повествованиях и охватывает период от въезда Иисуса в Иерусалим до его казни на Голгофе.

Впоследствии «Иисус Христос — суперзвезда» был переведён на разные языки, были сделаны постановки в разных странах, в том числе и в СССР.
Оса́нна (ивр. הושענות‎ — спаси, мы молим) — торжественное молитвенное восклицание (краткая молитва), изначально являвшееся хвалебным возгласом.

В Новом завете выражение «осанна» встречается при описании входа Господня в Иерусалим:

Множество народа, услышав, что Иисус идёт в Иерусалим, взяли пальмовые ветви, вышли навстречу Ему и восклицали: осанна! благословен грядущий во имя Господне, Царь Израилев! (Ин. 12:12-13)